Alors qu’une maladie mortelle menace dangereusement la survie de sa communauté, la petite fille devra choisir entre la peur de l’autre et l’acceptation pour tenter de sauver son peuple. Y parviendra-t-elle?
Le parti pris de l’équipe du film (Paul Chatelier, Batiste Cocozza, Killian Cottineau, Sébastien Daniel, Anatole Firouz-Abadie, Tess Gohel, Anaïs Mechineau et Mélanie Quélo) est, sans spoiler le dénouement de ce récit, assez osé et à contre-courant des fables de ce genre.
Un choix qui rend d’autant plus fort le sous-texte du film, où forme et fond se rejoignent pour un résultat d’une grande force d’évocation.
Comment cette production mélangeant habilement rendu 2D et animation 3D a-t-elle vu le jour? C’est ce que nous vous proposons de découvrir à travers ces coulisses, aux côtés des équipes du film.
Interroger sur nos propres failles
“Au tout début du projet, il y a l’envie de traiter de la peur de l’étranger, de la dénoncer et d’en montrer les conséquences”, nous confie Sébastien Daniel, au nom de l’équipe de Red. “Nous nous sommes dès lors orientés vers le conte, porteur d’une morale, avec une mise en scène poétique, colorée et théâtrale.”
Un film sans dialogues qui va à l’essentiel et se veut une fable poétique et symbolique, inspiré par l’approche narrative non manichéenne des films de Hayao Miyazaki et explorant les thèmes profonds de la discrimination, de la xénophobie et de ses conséquences. Red, le mystérieux vagabond, représente ainsi l’étranger rejeté par une société aveuglée par ses préjugés et sa peur.
“L’idée initiale était de construire le film autour de la victime, mais nous avons finalement opté pour le point de vue des agresseurs au travers du regard de la petite Nawe. Ceci afin d’amener le spectateur à s’interroger sur son propre comportement.”
Fond et forme se répondent pour créer une expérience immersive et sensorielle
Pour nourrir ce propos fort, l’équipe a choisi une esthétique illustrative, qui s’est imposée comme le meilleur moyen d’exprimer ce message ainsi que leurs intentions artistiques.
“Nous avons puisé nos inspirations dans le travail de nombreux illustrateurs pour construire cet univers.
Les personnages géométriques et dynamiques de Tomm Moore ont été notre principale source d’inspiration.
Tandis que son travail (ainsi que celui de Juliette Oberndorfer) sur les couleurs et leur poésie visuelle, ainsi que l’artiste américain Eyvind Earle (connu pour avoir sublimé les décors et couleurs de La belle au bois dormant) pour la conception des environnements naturels.”
Ces influences assumées se retrouvent complètement dans Red, et dans ces personnages conçus avec des formes simples, évoluant dans des décors chatoyants et subtils. Red l’étranger adopte une forme triangulaire, tranchante, en opposition aux villageois ronds et doux. Un contraste qui se retrouve également dans les couleurs, accentuant l’ironie dramatique qui se dévoile au fur et à mesure du récit.
“Le traitement 2D était essentiel pour servir nos intentions, avec une forte attention portée à la composition et au dynamisme des plans. La couleur d’ambiance joue un rôle fondamental : elle traduit l’évolution émotionnelle des personnages, allant de tons doux et apaisants à des teintes plus intenses et anxiogènes. La couleur bleue des villageois participe à ce sentiment de proximité et de confiance, tandis que le rouge est associé avec la menace.”
Enfin, confie l’équipe, l’un des plus grands défis de ce projet était de transmettre les émotions sans bouche ni voix.
C’est au travers des formes, des yeux et de la mise en scène que l’expressivité et la profondeur des personnages se transmet, ainsi que les enjeux.
Pour un résultat à la fois artistiquement fort et qui résonne thématiquement sur l’incompréhension et la peur ressentie par les villageois. “Bien qu’ils soient stylisés, le comportement de nos personnages reste profondément humain.”
Des défis techniques nombreux
Par ses nombreux décors, ses ambiances très travaillées et son mélange de techniques d’animation, Red est un projet complexe qui a forcé son équipe à se dépasser pour atteindre l’objectif de qualité tant technique qu’artistique qu’ils s’étaient fixés, et le niveau attendu d’un tel projet.
“Le style graphique choisi a engendré de nombreuses contraintes : organisation rigoureuse des assets (avec une mise en scène plan par plan) ; intégration de codes 2D dans un pipeline 3D ; traitement lumineux intégralement effectué sous Nuke ; rigs spécifiques permettant de jouer avec des formes graphiques et une animation en silhouette… Et sans oublier la transition brutale des ambiances colorées entre les différentes séquences qui a été particulièrement difficile à gérer tout en maintenant une cohérence globale.”
Dans ce film où les personnages sont animés en 3D avec des framerates variables pour accentuer l’effet dramatique (notamment le contraste entre les villageois malades et Red, qui est toujours fluide à 24 images par seconde), la combinaison réussie de 2D et de 3D dans les mises en scène crée une transition visuelle dynamique qui accompagne la montée de la violence et de la tension dramatique. Tout en représentant un challenge technique important.
Pour venir à bout de ses défis multiples, l’équipe a développé un asset manager pour organiser et gérer efficacement les éléments et personnages, ainsi qu’un pipe-line semi-automatisé sur Nuke pour garantir l’unité du traitement graphique.
Parallèlement, les rigs des personnages ont été conçus pour offrir un maximum de flexibilité des formes, ce qui a permis aux équipes de faciliter la construction des silhouettes et atteindre le niveau d’animation élevé du projet.
Une méthodologie rigoureuse, et une répartition du travail efficace pour mener à bien cette production ambitieuse.
“Nous avons mis en place une phase de préproduction extrêmement organisée : certaines tâches ont été automatisées, d’autres intégrées dans un planning rigoureux pour optimiser la production. Nos rôles étaient définis en fonction de nos spécialités respectives, entre animation et light-rendu. Des rôles auxquels se sont ajoutés des compétences personnelles telles que le storyboard, de la modélisation et des FX 2D. Malgré tout, nous avons perdu une grande partie du travail à cause de problèmes techniques liés au stockage. Mais c’est notre organisation solide qui nous a permis de rebondir et de poursuivre sereinement.”
“Projeter son film en salle, c’est une vraie consécration!”
En venant à bout de ces embûches, l’équipe livre un court métrage d’animation étudiant qui n’a par certains aspects rien à envier à une production professionnelle. “Nous avons atteint notre objectif : transmettre nos intentions de façon poétique avec une esthétique forte. Les retours très positifs du public nous ont profondément touchés, et la première projection de notre film en salle de cinéma a été un moment marquant. Une véritable consécration ! Avec plus de temps, nous aurions pu affiner certains aspects. Mais malgré les contraintes, nous sommes satisfaits du résultat.”
Quels conseils ces étudiants donnent-ils à celles et ceux qui travaillent aujourd’hui sur leurs propres films? “La patience est une vertu, la communication une nécessité”, résume Sébastien Daniel au nom de son équipe. “Et, en prime, des pauses cookies comme moteur de cohésion!”. La recette pour un film d’animation de fin d’études réussi, fruit d’un travail collaboratif de haut niveau.
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